Le regard masculin dans les premières publications populaires américaines (1840-1920) [3/3]

 (précédente)  [Article en trois parties:  P1,   P2,   P3]

3. Les regards échangés entre les personnages représentés

Cette section décrit des tropes visuels où des personnages figurés dans l’illustration échangent des regards. Les regards qui se croisent dans ces images fixes sont analogues aux regards “intradiégétiques” échangés par les acteurs dans un film. Continuer la lecture de « Le regard masculin dans les premières publications populaires américaines (1840-1920) [3/3] »

Le regard masculin dans les premières publications populaires américaines (1840-1920) [2/3]

 (précédente)  [Article en trois parties:  P1,   P2,   P3]  (suivante)

2. Le regard du lecteur masculin sur les personnages féminins figurés

Cette section décrit quelques tropes visuels où la représentation des femmes vise manifestement à séduire le lecteur masculin. Continuer la lecture de « Le regard masculin dans les premières publications populaires américaines (1840-1920) [2/3] »

Le regard masculin dans les premières publications populaires américaines (1840-1920) [1/3]

[Article en trois parties:  P1,   P2,   P3]  (suivante)

En 1975, la critique et cinéaste britannique Laura Mulvey publie dans la revue académique Screen un article intitulé Visual Pleasure and Narrative Cinema1. Ce texte a été rapidement repris et commenté, et il est considéré désormais comme fondateur des études féministes sur le cinéma. Revendiquant l’héritage de Freud et Lacan, il est l’un des premiers à utiliser la psychanalyse pour analyser le cinéma hollywoodien. Mulvey s’approprie en effet les théories psychanalytiques qu’elle utilise comme une « arme politique » afin de mettre à jour l’influence de la société patriarcale sur la structure même de la narration cinématographique. Pourtant, ce ne sont pas les usages politiques de la psychanalyse – caractéristiques d’un certain militantisme des années 1970 – qui ont assuré la notoriété de l’article, mais son énonciation du concept de regard masculin [male gaze]. Continuer la lecture de « Le regard masculin dans les premières publications populaires américaines (1840-1920) [1/3] »

  1. Plaisir visuel et cinéma narratif, traduction française dans Laura Mulvey, Au-delà du plaisir visuel – Féminisme, énigmes, cinéphilie [choix de textes rédigés entre 1975 et 2011], Édition Mimésis / Formes filmiques n° 1, 2017, traduit de l’anglais par Florent Lahache et Marlène Monteiro, pp. 33-51. Autre traduction par Gabrielle Hardy, relecture et correction par Serge Turbé, debordements.fr, 2012 ; partie 1, partie 2. []

The Forty Part Motet, une composition musicale de la Renaissance au musée

La Fondation Louis Vuitton présente actuellement une exposition inédite intitulée Être moderne : le MoMA à Paris. Composée d’une sélection de 200 pièces prêtées par le Museum of Modern Art (MoMA) de New York, elle retrace l’histoire du célèbre musée et décrit la constitution de ses collections, depuis les années trente jusqu’aux acquisitions récentes. Le visiteur peut constater la diversité des formes de créations rassemblées par le MoMA en découvrant des peintures, des sculptures, des photographies, mais aussi des films, des affiches, des jeux vidéos, des performances et installations. La plupart des œuvres ont rarement été exposées en France et certaines n’ont même jamais été vues auparavant dans notre pays.

L’exposition présente une installation musicale remarquable, The Forty Part Motet, qui diffuse les quarante voix d’un célèbre motet anglais du seizième siècle, Spem in alium, sur autant de haut-parleurs distincts. Créée en 2001 par l’artiste canadienne Janet Cardiff, l’œuvre fait partie des collections permanentes de deux institutions, l’une canadienne et l’autre brésilienne, et elle a été acquise récemment par le MoMA. Elle est régulièrement installée à l’occasion d’expositions ou de manifestations culturelles partout dans le monde. Elle a déjà été présentée en France, lors de la Nuit Blanche de Paris en octobre 2009, à l’Aubette 1928 de Strasbourg en 2011, et au Luma Festival à Arles en 2015. Continuer la lecture de « The Forty Part Motet, une composition musicale de la Renaissance au musée »

La bande dessinée et la Tapisserie de Bayeux [2/2] – Le « système du poil » dans les narrations visuelles séquentielles

[Rappel de la première partie: La bande dessinée et la Tapisserie de Bayeux [1/2] – Pour une épistémologie de la comparaison]

Parmi les caractéristiques qui rapprochent la Tapisserie de Bayeux de la bande dessinée, on pense habituellement au découpage et à la séquentialité des scènes ainsi qu’à l’association des dessins et des textes. Un point commun est par contre fréquemment oublié, sans doute parce qu’il est trop évident.

L’identité et la permanence des personnages dans les narrations visuelles séquentielles

La Tapisserie de Bayeux et les bandes dessinées peuvent être considérées comme des narrations visuelles séquentielles, des dispositifs matériellement simples qui racontent une histoire en déroulant une succession d’images. L’histoire racontée fait évoluer des personnages représentés plusieurs fois dans des situations différentes et dans des espaces graphiques distincts – des scènes pour la TB, des cases (en général) pour la BD. Un même personnage doit être reconnaissable immédiatement d’une occurrence à une autre, que ce soit grâce à sa désignation (son nom) ou par la permanence de son identité graphique. Permettre à un spectateur de reconnaître et identifier instantanément un personnage, et donc de le distinguer des autres personnages, constitue un caractère essentiel des narrations visuelles séquentielles. Continuer la lecture de « La bande dessinée et la Tapisserie de Bayeux [2/2] – Le « système du poil » dans les narrations visuelles séquentielles »

La bande dessinée et la Tapisserie de Bayeux [1/2] – Pour une épistémologie de la comparaison

Au milieu des années 1960, des intellectuels et universitaires américains ont soutenu que les comics méritent le respect et qu’ils sont dignes d’être étudiés sérieusement1. À la même époque, en France, quelques passionnés ont organisé en dehors du monde académique les premières associations de recherche sur la bande dessinée et publié les premiers bulletins sur ce média et son histoire2. La bande dessinée a alors commencé son long processus de légitimation en tant que phénomène culturel. La quête de sa reconnaissance sociale a conduit ensuite plusieurs auteurs à publier des ouvrages grand public caractérisés par une définition très lâche de la bande dessinée qui permettait d’y amalgamer plusieurs œuvres d’art anciennes et prestigieuses. La Tapisserie de Bayeux tout particulièrement est ainsi devenue caution d’une certaine légitimité culturelle naissante de la bande dessinée. Continuer la lecture de « La bande dessinée et la Tapisserie de Bayeux [1/2] – Pour une épistémologie de la comparaison »

  1. Bart Beaty, Comics Versus Art, University of Toronto Press, 2012, p. 57 []
  2. Thierry Groensteen, Les aventures d’un historien au pays de la bédéphilie [à propos de Pierre Couperie], Neuvième Art 2.0, mars 2014. []

Les figurations sensuelles et érotiques dans l’imagerie de Jeanne d’Arc

On ne connaît qu’une seule image de Jeanne d’Arc qui lui soit contemporaine, un dessin à la plume effectué en marge d’un registre par Clément de Fauquembergue, alors greffier du parlement de Paris. Daté du 10 mai 1429, soit deux jours après la fin du siège d’Orléans, le croquis n’est évidemment pas un portrait puisque Fauquembergue n’a jamais vu Jeanne et décrit des événements qui lui ont été relatés. Il mentionne dans son texte que « les ennemis avoient en leur compagnie une pucelle seule ayant bannière entre lesdits ennemis, comme on disait »1.

Journal de Clément de Fauquembergue, greffier du parlement de Paris, croquis du 10 mai 1429, Archives Nationales, X1A 1481, F. 12R
Journal de Clément de Fauquembergue, greffier du parlement de Paris, croquis du 10 mai 1429, Archives Nationales, X1A 1481, F. 12R

Sans doute intrigué par l’événement extraordinaire qu’on lui rapporte, le greffier dessine une femme de profil avec une épée trop grande pour elle et un étendard à deux pointes où l’on peut lire l’inscription « JHS » (pour « Jhesu« ). Il choisit de représenter une Jeanne très féminine, en robe, avec une abondante chevelure tombant dans son cou et une poitrine marquée.

Continuer la lecture de « Les figurations sensuelles et érotiques dans l’imagerie de Jeanne d’Arc »

  1. Philippe Contamine, Olivier Bouzy et Xavier Hélary, Jeanne d’Arc. Histoire et dictionnaire, Paris, Robert Laffont, collection Bouquins, 2012, p. 136-137. []

Roy Lichtenstein et les comics – un art suffisant

Roy Lichtenstein peint son fameux tableau Look Mickey en 1961. Emblématique du pop art naissant, c’est la première œuvre où l’artiste américain expérimente l’ensemble des procédés qui deviendront rapidement caractéristiques de son style: dessin directement puisé dans l’imagerie de la bande dessinée, bulles de texte, aplats et gamme réduite de couleurs, plan serré sur le sujet, contours noirs fortement soulignés, points de trame « bendays » – à l’époque limités à certaines zones du tableau (les yeux de Donald et le visage de Mickey).

Roy Lichtenstein, Look Mickey, 1961, huile sur toile, 121,9 x 175,3 cm, National Gallery of Art, Washington D. C.
Roy Lichtenstein, Look Mickey, 1961, huile sur toile, 121,9 x 175,3 cm, National Gallery of Art, Washington D. C.

Continuer la lecture de « Roy Lichtenstein et les comics – un art suffisant »

Digital labor ? Le travail collaboratif malgré tout

[Article publié dans le dossier Exploitation numérique et digital labor, quelles réalités ? sur INA Global]

Est-on passé depuis quelques années d’un Web participatif idyllique au digital labor, souvent synonyme d’exploitation ? Pas si simple. L’expérience du projet collaboratif PhotosNormandie montre que, malgré la marchandisation des sites, la culture du partage perdure.

Jusqu’à la fin des années 2000, Internet a été fréquemment perçu comme un foisonnement d’activités expressives collectives. Des fans, des amateurs éclairés, une pléthore d’internautes passionnés y mettaient en commun leurs savoirs, partageaient avec d’autres leurs passions, construisaient des communautés participatives innovantes. Dans cette vision quasi idyllique, Internet était imaginé comme un espace altruiste, désintéressé, émancipateur.

Depuis 2009 environ, le domaine de recherche universitaire que l’on désigne du nom de digital labor brosse un portrait moins enchanté, où des acteurs économiques exploitent à leur insu les micro-travaux réalisés par les internautes, tirent profit des tâches répétitives qu’ils effectuent, détournent à des fins commerciales les données les plus infimes qu’ils produisent, etc. Certains observateurs avisés décrivent même à présent des internautes exploités, prolétarisés, aliénés par de nouvelles formes de travail, souvent rassemblées sous cette appellation assez vaste de digital labor.

Ce dessillement récent ne doit pourtant pas faire oublier que, bien avant l’émergence du digital labor, les communautés participatives s’étaient interrogées sur la valorisation et la captation du travail qu’elles effectuent. Dans un ouvrage récent sur le sujet, Dominique Cardon réclame « un discours sur Internet qui soit plus proche des usages », estimant qu’il est « nécessaire de reprendre la question de la marchandisation des pratiques par le bas, depuis l’expérience des internautes » ; il y a là selon lui un « enjeu descriptif extrêmement important »1. Le présent article tente de répondre à ce besoin de description d’expériences concrètes à partir d’un exemple précis. Il retrace l’historique du projet collaboratif PhotosNormandie, initié il y a bientôt neuf ans et toujours actif actuellement, au regard de ces questions de production d’un travail et de reconnaissance et captation de sa valeur.

Lire la suite sur INA Global

  1. Dominique Cardon & Antonio A. Casilli, Qu’est-ce que le Digital Labor ?, Bry-sur-Marne, INA Éditions, 2015, p. 78-79. []

Les photos du D-Day de Robert Capa – une autre histoire et de nouvelles interprétations

La version « canonique » de l’histoire des photos prises par Robert Capa lors du D-Day peut être résumée ainsi: le 6 juin 1944, Capa est le seul photographe de presse présent lors du débarquement des troupes américaines à Omaha Beach. Durant une heure et demi, il photographie au plus près les soldats qui subissent un intense mitraillage. Il prend 106 photos, revient en Angleterre, envoie les cartouches de pellicules au bureau de Life à Londres, puis il retourne en Normandie. Pressé par le temps, le jeune laborantin inexpérimenté en charge du développement sèche les films à une température trop élevée, ce qui fait fondre l’émulsion et endommage irrémédiablement les photos. Une dizaine de clichés assez flous échappent au désastre et seront publiés par le magazine Life daté du 19 juin 1944.

La mystification des photos perdues lors du développement

Depuis juin 2014, le critique A. D. Coleman a publié sur son site Photocritic International une longue série d’articles qui remet en cause ce récit habituel.

La série débute par un article en deux parties d’un invité de Coleman, le photojournaliste J. Ross Baughman, prix Pulitzer en 1977, qui, en s’appuyant sur l’analyse des négatifs qui subsistent, estime qu’il n’est pas possible que les pellicules aient été ruinées lors de leur développement. Baughman conclut crûment en affirmant que ce n’est pas le jeune laborantin de Life, Dennis Banks, qui a détérioré les films, mais Capa lui-même.

Lire la suite